El veterano de Sundance da un paseo salvaje con 'Rotting in the Sun'

Silva regresa con una película escandalosa que satiriza la cultura moderna

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A menos que seas un seguidor del cine independiente o del circuito de festivales de cine internacionales, es posible que el nombre de Sebastián Silva no te suene... todavía.

El cineasta gay nacido en Chile, también conocido como músico e ilustrador, ha gozado de gran atención por su trabajo durante la última década y media, comenzando con un premio a la Mejor Película en los Premios Chilenos Pedro Sienna de 2008 por su ópera prima. “La Vida Me Mata” (“La Vida Me Mata”) – y le siguió “The Maid” de 2009. Este último lo lanzó a la escena independiente estadounidense, obteniendo el Gran Premio del Jurado en Sundance; Luego obtuvo varios otros honores, incluida una nominación al Globo de Oro, y lo estableció firmemente como un joven director prometedor. Desde entonces, su reputación ha atraído a actores "favoritos del cine independiente" como Kristen Wiig, Juno Temple, Michael Cera, Gaby Hoffman y Alia Shawkat para protagonizar sus películas, y ha obtenido más elogios y premios a lo largo del camino.

Aún así, el tipo de películas que hace Silva no son exactamente del tipo que se traslada fácilmente a la corriente principal, y hasta ahora se le ha escapado un reconocimiento más amplio. Sin embargo, sigue siendo uno de los favoritos del festival, habiendo regresado triunfante dos veces a Sundance para estrenos de su obra, la más reciente con"Pudriéndose al sol" que debutó en el festival a principios de este año. Ahora programada para un estreno limitado en cines el 8 de septiembre antes de expandirse a digital una semana después, podría ser la película que finalmente le brinde al cineasta multifacético la atención que merece, aunque tal vez no por las razones que desearía.

Dirigida por Silva a partir de un guión coescrito con su frecuente colaborador Pedro Peirano, su película con un título críptico gana puntos por su audacia solo desde su premisa. Al presentarse a sí mismo y a la estrella de las redes sociales de la vida real, Jordan Firstman, como versiones ficticias de sí mismos, el cineasta teje una narrativa escandalosa que satiriza salvajemente tanto la autoobsesión como el estado perpetuamente distraído de la cultura moderna, al mismo tiempo que ataca el negocio del cine. y “creación de contenido” al tiempo que ofrece un comentario agudo y de humor negro sobre el impacto de la clase económica y social en la experiencia humana.

Parece mucho con lo que hacer malabares en una sola película, especialmente una con una duración de menos de dos horas, pero el guión de Silva y Peirano lo maneja hábilmente con una estructura intrincadamente diseñada que nos lleva a través de una trama retorcida que comienza cuando el El ficticio Sebastián, nihilista, misántropo y adicto a la ketamina y al poppers, realiza un viaje improvisado a un balneario gay nudista siguiendo el consejo de su mejor amigo (Mateo Riestra). Allí, se encuentra con el sociable y extravagante Firstman, un fanático de su trabajo que lo corteja agresivamente para tener una relación más cercana, tanto personal como profesional. Con su carrera estancada y sus finanzas agotadas, Silva, reacio, acepta colaborar en un programa e invita a Firstman a quedarse con él en la Ciudad de México mientras lo escriben.

A partir de ahí, las cosas no salen como esperábamos. Aunque estábamos preparados para un romance en el que los opuestos se atraen, acompañado de un desconcertante choque entre la desolación existencial de Silva y la positividad que afirma la vida de su alegremente hedonista homólogo, un giro inesperado de los acontecimientos toma un nuevo rumbo; Los tropos de las comedias románticas dan paso a un misterio crudo y desgarrador, con Vero (Catalina Saavedra), ama de llaves de Silva desde hace mucho tiempo, en el centro, y la película se convierte en un thriller apasionante que combina suspenso con comentarios sociales y surrealismo crudo para un viaje salvaje capaz de hacer el corazón late con fuerza y ​​la cabeza da vueltas. Podríamos decir más (otros críticos lo han hecho, facilitando su trabajo pero arruinando algunas de las sorpresas más electrizantes de la película en el proceso), pero hacerlo sería un flaco favor tanto a los minuciosos esfuerzos de Silva por elaborar la narrativa como al disfrute del espectador al experimentarla. de primera mano.

Eso sí hace necesario “hablar” de algunas cosas; por ejemplo, no podemos decir todas las cosas que nos gustaría sobre Saavedra –regresando al redil de Silva después de interpretar el papel principal en “La Criada”– y su actuación sin revelar información clave; Rígidamente nada sentimental, llena de emociones que a la mayoría de nosotros nos resulta incómodo ver, la película depende de su interpretación de este personaje, y ella la posee por completo.

Tampoco podemos decir mucho sobre el notable movimiento de la historia, trazada por el guión e impulsada por el hábil y fluido enfoque de la cámara en mano del director de fotografía Gabriel Díaz Alliende, que sigue un hilo singular de causa y efecto a través de una curso marcado por acontecimientos aleatorios y consecuencias inevitables y se desarrolla como un elaborado laberinto de fichas de dominó que caen; Tampoco podemos entrar en muchos detalles sobre las observaciones que hace la película sobre la división entre los privilegiados y las clases bajas que les sirven, que viven en mundos tan diferentes que incluso las interacciones más simples entre ellos a menudo se complican por la incapacidad de comunicarse o entenderse entre sí. otro a través de la brecha.

De manera más general, ciertamente podemos hablar del aprecio de la película por la ironía; de hecho, sus momentos más sublimes están llenos de ello, y proporciona el trasfondo del tono de absurdo existencial en el que Silva impregna su película; porque, no nos equivoquemos, en este “verano existencial” marcado por películas como “Asteroid City”, “Barbie” y “Oppenheimer”, “Rotting in the Sun” encaja perfectamente (aunque, si sirve de algo, su ineludible temor es contrarrestado por una especie de compasión humanista que, aunque no cubre todo exactamente con una capa de dulzura y luz, contribuye en gran medida a dejar nuestra esperanza en la humanidad al menos algo intacta.

Por último, podemos hablar de los penes. Sí, hay muchos, y también algunas escenas de sexo gay no simulado; la mayoría de estos ocurren en las primeras escenas en el resort, y si bien sería erróneo decir que son irrelevantes para el propósito más amplio de la película de Silva, ciertamente no son el objetivo de la misma, lo que lo llevó a admitir en una entrevista en Variety que Estaba "un poco asustado de que mucha gente se centrara en las pollas". Como era de esperar, la mayoría de las críticas (incluida ésta, al parecer) y gran parte de la publicidad de la película parecen inclinadas a hacernos saber que están ahí.

En última instancia, “Rotting in the Sun” es mucho más que pollas, por supuesto; también se trata de mucho más que las diversas pretensiones, construcciones, engaños y disfunciones humanas que envía y sobre las que parece advertirnos. Como todas las grandes películas, contiene todas esas cosas dentro de una imagen más amplia que apunta hacia una perspectiva más abarcadora de la vida y, admirablemente, no intenta decirnos qué pensar de ello, aunque podría guiarnos hacia una Una o dos conclusiones más pequeñas sobre cómo nos tratamos unos a otros a lo largo del camino.

Tenga cuidado: aunque aparentemente es una comedia, “Rotting in the Sun” no es una película para pusilánimes y cabe señalar que explora temas de ideación suicida que podrían ser desencadenantes para algunos espectadores.

Si eso no lo disuade, y si su interés se despierta por todas las cosas que no pudimos decir, entonces le recomendamos de todo corazón que lo vea en la primera oportunidad que tenga. Te garantizamos que después recordarás el nombre de Sebastián Silva.

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Tres activistas superan la infancia dominada por la vergüenza

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Incluso dentro de la comunidad LGBTQIA+ en general, las personas intersexuales siguen siendo un misterio para la mayoría de nosotros.

Eso no pretende hacer que nadie se sienta culpable; es simplemente una observación que insinúa el poder del estigma que ha mantenido las historias intersexuales enterradas en los polvorientos gabinetes de las salas de investigación médica, incluso cuando a los otros segmentos de la población queer se les ha dado una mayor representación – y con ello, la oportunidad de expresar su verdad. – en la esfera pública. Guiados por suposiciones incuestionables sobre las expresiones “naturales” de género, el establishment científico y médico ha ocultado durante mucho tiempo los hechos que rodean a las personas intersexuales, a menudo incluso de los padres de niños intersexuales, mientras tomaban decisiones autocráticas sobre procedimientos médicos para “corregir” lo que percibían. como un “error” de la naturaleza. ¿Cómo puede alguien compartir su verdad con el mundo si siempre se la ha mantenido en secreto para ellos también?

Como se establece en "Every Body", el perfil documental de la directora de "RBG", Julie Cohen, sobre tres individuos intersexuales prominentemente visibles (que ahora se transmiten en Peacock después de su estreno en cines a principios de este verano), la respuesta a esa pregunta es que solo pueden hacerlo si forjando una nueva verdad, basada en la propia experiencia e independiente de las expectativas de los demás.

Los tres sujetos de la película: el actor y guionista River Gallo (ellos), la consultora política Alicia Roth Weigel (ella/ellos) y Ph.D. El estudiante Sean Saifa Wall (él/él) ha superado una infancia dominada por la vergüenza y el secreto hacia una próspera edad adulta vivida como ellos mismos, algo que sólo es posible gracias a la decisión de ignorar los consejos médicos sobre mantener en secreto la realidad de sus cuerpos. . Ahora líderes y defensores de un movimiento global para una mayor comprensión de la comunidad intersex, comparten las narrativas de las vidas que los han llevado allí, tanto las que les fueron impuestas a ellos y a sus familias desde su nacimiento, como las que ellos mismos han escrito. para ellos mismos.

Entretejido dentro de estos perfiles hay una historia histórica sobre el muy influyente pero poco recordado Dr. John Money, un investigador sexual cuyas opiniones sobre el género se volvieron fundamentales para institucionalizar una sensibilidad de la década de 1950 en el pensamiento médico aceptado en torno a las personas intersexuales; más específicamente, relata un caso de abuso médico más extraño que la ficción bajo el cuidado de Money, presenta imágenes de archivo exclusivas de los archivos de NBC News y expone las falacias detrás de los protocolos médicos que continúan persistiendo, sin control, años después de haber sido rotundamente desacreditados.

Es a través de esta mirada amplia al contexto en el que históricamente las personas intersexuales han sido enmarcadas por médicos y psiquiatras que la película provoca, quizás, la respuesta emocional más vigorosa del público; La historia de la vida real de David Reimer, sujeto del experimento que eventualmente desacreditaría el trabajo de Money, es desgarradora, y las imágenes de los tres protagonistas de la película viendo las desgarradoras entrevistas que Reimer, profundamente dañado, concedió cuando su historia se hizo pública, brindan algunas de los momentos más visceralmente conmovedores de la película.

De hecho, el concepto original de Cohen para la película era una exploración directa del caso Reimer, pero después de conectarse en línea con Weigel y, a través de ellos, con Gallo y Wall, cambió de dirección. Impresionada por su compromiso con la causa de una mayor comprensión y una mejor atención médica para las personas intersexuales, comenzó a filmar su activismo y su vida cotidiana. Como dice en sus notas de prensa, “Lo que comenzó como un documental de archivo se convirtió en una película muy ambientada en el presente”.

Es un cambio de enfoque que centra la película en la trascendencia sobre el trauma. A través de las sagas inspiradoras de sus tres figuras centrales, “Every Body” enfatiza rotundamente el empoderamiento que conlleva tomar el control de la propia narrativa, y la libertad y el perdón que pueden florecer en una vida más plenamente autorrealizada que la que les alentaron. o incluso obligados a aceptar en su juventud. Ver los tiernos recuerdos de Gallo con su madre, o escuchar la aceptación empática de Wall de las elecciones de sus padres ahora fallecidos para él frente a lo que sabían o les dijeron, es un bienvenido contraste con el diálogo a menudo estridente al que nos estamos acostumbrando cada vez más. encuentros en torno a tales asuntos en la conversación pública; al mismo tiempo, existe una emoción profundamente satisfactoria al ver a Weigel obstaculizar una legislatura de Texas o clausurar a un Steven Crowder visiblemente conmocionado (el controvertido comediante y experto conservador cuya característica distintiva generó todos esos notorios memes de “Cambia de opinión”) en su propia plataforma desafiando sus concepciones simplistas sobre la biología del género, recordándonos cuán formidables podemos ser cuando hablamos desde una verdad adquirida a través de la experiencia vivida.

Son escenas como estas las que superan el peso oscuro de un pasado menos ilustrado para ayudar al documental a avanzar hacia la luz más esperanzadora de la lucha activa de hoy por algo mejor. Habiendo reclamado, por fin, la autonomía sobre su propio cuerpo que les fue negada cuando eran niños, estos tres están listos para levantarse y luchar por un futuro en el que otros como ellos nunca tendrán que enfrentar lo que ellos y innumerables personas intersex a lo largo de la historia han tenido. experimentar. Cuando “Todos” finalmente llega al aquí y ahora, nos deja caer en una comunidad formada por individuos que se han encontrado a pesar del secreto, cuya voluntad de compartir su verdad entre sí y con sus aliados ha sido fundamental. Cambió la forma en que una generación de personas intersexuales aprende a pensar en sí mismas. Nos lleva a una manifestación diseñada para poner fin a la era de las cirugías secretas realizadas sin consentimiento a personas demasiado jóvenes para decidir por sí mismas, canalizando las lecciones aprendidas y la experiencia obtenida de los movimientos de derechos queer y trans que los precedieron para trabajar por un cambio cultural hacia una mayor aceptación, inclusión y comprensión. Nos deja con la seguridad de que el maltrato a menudo horrible y la conformidad forzada de décadas pasadas podrían finalmente ser reemplazados por el tipo de orientación compasiva e informada que todos merecen cuando se trata de decisiones que afectan el núcleo mismo de su identidad. Cuidadosamente estructurado pero fluido orgánicamente, e infundido con un sentido de propósito que evita la grandilocuencia performativa de la guerra cultural para encontrar la alegría que se esconde detrás de los movimientos de cambio más genuinamente persuasivos, el documental de Cohen hace su declaración dejándonos en un "arriba". " nota.

Desafortunadamente, como la mayoría de los documentales que llegan al mundo ahora, a medida que el antagonismo virulento contra todos los segmentos de la comunidad queer se vuelve cada vez más siniestro, el tono optimista que pudo haber parecido apropiado en sus inicios no puede evitar sentirse un poco fuera de sintonía. Eso no es un defecto de la película, sino un indicador de una época que se siente un poco más precaria de lo que la mayoría de nosotros nos sentimos cómodos, y cuando la obsesión de larga data de nuestra cultura con una construcción binaria de género “esto o lo otro” – se hizo dolorosamente obvio por el montaje inicial de la película de elaboradas acrobacias festivas de “revelación de género” – parece cada vez más una cuña inamovible.

Aún así, a pesar de los estados de ánimo actuales, la lucha debe continuar, y “Every Body” es el tipo de película que puede inspirar incluso a los guerreros más cansados ​​a seguir adelante contra la marea de intolerancia de mente cerrada que parece tan empeñada en devorar a nuestra nación.

Sólo por esa razón, viene con nuestra más alta recomendación.

'Quería humanizar la experiencia transgénero'

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Probablemente sea raro que una reseña cinematográfica comience con una noticia sobre un crimen del mundo real, pero“Ciudad de Kokomo”Es una película rara.

El 18 de abril, una mujer transgénero conocida como Koko Da Doll fue asesinada a tiros en Atlanta. Ella fue la tercera trabajadora sexual transgénero negra asesinada en la ciudad, y la décima persona trans, no binaria o no conforme con su género que muere por violencia en los EE. UU., hasta esa fecha en 2023.

Fue una historia que ocupó titulares limitados, pero comparativamente muchos más (desafortunadamente) de los que suelen acompañar a los asesinatos de trabajadoras sexuales transgénero negras; Esto se debe a que Koko, cuyo nombre “no actuante” era Rasheeda Williams, era una de las cuatro mujeres trans, tanto de Atlanta como de la ciudad de Nueva York, perfiladas en el documental “Kokomo City”, premiado en Sundance, que se estrenó en cines de forma limitada en agosto. 4. y ahora está disponible vía digital y VOD. La película, que fue producida ejecutivamente por el talento queer multifacético Lena Waithe (entre otros), ofrece un retrato notablemente sincero, completamente sin filtros y sin prejuicios de sus sujetos mientras comparten las experiencias y observaciones que han ocurrido. en el trabajo.

En la película, Koko, junto con sus compañeras trabajadoras sexuales Daniella Carter, Liyah Mitchell y Dominique Silver, ofrecen extensas entrevistas en las que “son realistas” sobre la perspectiva de la vida que les otorga su trabajo. A veces terriblemente impactantes, a veces resueltamente contundentes, sus anécdotas pintan un retrato de la sociedad vista desde abajo hacia arriba; pero está muy lejos del lamento y la moralización que algunos podrían esperar que acompañen a una película sobre un tema así, y en lugar de eso les da a estos cuatro individuos plenamente conscientes de sí mismos la oportunidad de hablar sobre todas las hipocresías y estigmas sociales que definen y limitan nuestra vida. la visión que la cultura tiene del sexo en general, y del sexo queer en particular, al tiempo que revela la inteligencia y el fuerte sentido de uno mismo (y sí, también el fuerte sentido del humor) necesarios para sobrevivir como miembro de una de las clases de personas más ignoradas del mundo. ser humano. Es transgresor de una manera que muchos encontrarán refrescante, incluso emocionante, pero otros encontrarán atroz.

Por mucho que deseemos lo contrario, la mayoría de nosotros probablemente creamos que la audiencia de “Kokomo City” probablemente no incluirá a las personas que más necesitan verla. Aquellos que están predispuestos a juicios restrictivos sobre el trabajo sexual y las personas trans probablemente no lo agregarán a sus colas de transmisión, una pena, aunque solo sea por la pérdida de su propia oportunidad de reconocer y empatizar con la humanidad de personas a las que de otro modo demonizarían en su vida. imaginaciones. Sin embargo, eso no le importa al director de la película, el productor, cantante y compositor dos veces nominado al Grammy, D. Smith, quien hizo historia como la primera mujer trans elegida para un programa de televisión sin guión en horario estelar.

Para su debut como directora de largometraje, Smith pretendía elevar las voces de sus protagonistas no sólo como una expresión de la experiencia queer, sino también de la experiencia negra más amplia. Mientras pasaba tres años navegando en el sofá con amigos mientras recopilaba el material para su película, le preocupaba, ante todo, transmitir la historia que estas cuatro mujeres tenían que contar. En su forma final, su documental es un testimonio de la verdad individual dentro de una dicotomía que no tiene espacio para ella; La comunidad negra en su conjunto, marginada y oprimida dentro de la cultura dominante mientras está sujeta a estrictas normas de aceptabilidad incorporadas en sus propias tradiciones y herencia, ha mantenido durante mucho tiempo un estigma particular contra la sexualidad queer. Como ofrece Smith en sus notas de prensa: “Muchos de nuestros niños negros crecen asustados y confundidos debido a los valores tradicionales o la violencia admisible contra ellos, que a veces los lleva a la muerte. [Es] una conversación que se ha evitado durante muchos, muchos años [que] ahora ha pasado a primer plano”.

Según lo dicen sus cuatro entrevistados, esas creencias firmes desaparecen rápidamente a puerta cerrada, pero aun así, en público, el prejuicio se mantiene firme. De hecho, Smith ofreció a otros cinco directores la oportunidad de dirigir el proyecto, y todos se resistieron antes de que ella decidiera hacerlo ella misma.

“Salí, compré una cámara y un buen objetivo y lo filmé yo misma”, dice. “Ni asistente, ni iluminador, ni editor. Sólo la visión de una verdad”.

Parte de esa verdad, dice, era “crear una película que pudiera atraer a personas fuera de la comunidad LGBTQ+”, pero también quería ser auténtica en su presentación de estas mujeres. Les estaba pidiendo que fueran reales, así que ella también tenía que serlo.

“En el momento de la concepción [de la película]”, dice, “había mucho contenido transgénero en esta narrativa que yo llamo la 'narrativa de la alfombra roja'. Es cuando un feroz equipo de relaciones públicas pone a una mujer trans con un vestido fabuloso y la hace hablar como una finalista de un concurso. Esa no es nuestra verdadera experiencia”.

Quería presentar algo diferente. “Quería sentir algo intacto. Algo que se parece a mi experiencia real. Algo en lo que todos podemos encontrarnos. Algo sin todas las reglas y leyes que nos separan como personas de color. Quería derribar esos muros. En esta película, pude compartir la vida privada de cuatro trabajadoras sexuales transgénero que nunca son representadas públicamente. Ofrecí libertad a las chicas. Libertad para hablar como nosotros. Parecerse a nosotros. No te preocupes por la política. Olvídate del maquillaje. No te preocupes por llamar a tu equipo glamoroso hoy. Sólo cuenta tu historia. Quería humanizar la experiencia transgénero”.

Capturada en blanco y negro, austera pero elegante, “Kokomo City” hace exactamente eso. Al poner el foco en cuatro mujeres que son todo menos la llamada “norma” y que están acostumbradas a que sus voces sean silenciadas, o al menos ignoradas, Smith nos brinda una perspectiva cruda pero profundamente considerada que desafía a la audiencia tomándolas fuera de su zona de confort, pero nunca deja de ser entretenido.

Sin duda, hay una vibra casi alegre en “Kokomo City”, sin duda debido en gran parte a la sensación liberadora y catártica de desahogarse que deben haber sentido sus sujetos al tener la oportunidad de compartir su verdad con el mundo.

Lamentablemente, esa alegría ahora debe verse atenuada para siempre por el conocimiento de que hemos perdido a Koko, cuya vida brilla tan intensamente en la pantalla, quien, aunque las autoridades dicen que no hay evidencia de que su muerte haya sido motivada por la homofobia o la transfobia, sin embargo es Otra víctima más del odio y la violencia profundamente arraigados que atormentan nuestra cultura y hacen que películas como ésta parezcan muy, muy preciosas.

Al mismo tiempo, escuchar su voz sonar entre las demás en el tremendamente entretenido documental de Smith, que ganó el NEXT Innovator Award y el NEXT Audience Award del Festival de Cine de Sundance y que ha sido aclamado en otros festivales, incluidos el Berlinale y el OutFest de Los Ángeles, le da un sentido de urgencia aún mayor, un imperativo mayor para presentar tanto la belleza como la vulnerabilidad de las mujeres trans, y convierte la película en una celebración de su luz insaciable.

También presenta a Smith como una cineasta a tener en cuenta, y estamos emocionados de ver adónde nos llevará a continuación.

Una voz perspicaz realzada por un enfoque ingeniosamente cinematográfico del material.

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Antes de que la novela de 2019 del autor no binario Casey McQuiston, “Rojo, blanco y azul real”, estuviera siquiera impresa, Amazon quería comprar los derechos de la película.

Es fácil ver por qué. Es un romance apasionante pero dulce entre personas del mismo sexo entre un miembro de la realeza británica y el hijo del presidente estadounidense que tiene lugar en un mundo donde ese presidente es una mujer. Sí, todo es fantasía optimista, que es, por supuesto, todo el atractivo. ¿No es de eso de lo que se trata el género romántico?

El libro se convirtió en un éxito de ventas, ganando honores en la undécima edición anual de los Goodreads Choice Awards, y Amazon realizó su adaptación cinematográfica, contratando al dramaturgo queer ganador del Tony Matthew López (“The Inheritance”) no solo como coautor del libro. guión (con Ted Malaher), pero debutará como director de largometraje. El producto terminado, que llegará a la plataforma del gigante del streaming el 11 de agosto, valida esa elección.

Es cierto que la premisa evoca una de esas películas de Hallmark tan difamada; El primer hijo Alex Claremont-Diaz (Taylor Zakhar Perez) es guapo, carismático y popular entre el público estadounidense; Al otro lado del Atlántico, el príncipe Enrique (Nicholas Galitzine) de Gran Bretaña, segundo en la línea de sucesión al trono británico, es igualmente adulado. Naturalmente, no se soportan el uno al otro, pero después de un encuentro en una boda real que se convierte en un incidente vergonzoso, ambos tienen la orden de implementar un "control de daños" pretendiendo ser amigos. Obligados a pasar tiempo juntos, su animosidad pronto se convierte en otra cosa, y se ven arrastrados a un romance cada vez más profundo que podría no sólo amenazar las esperanzas de reelección de la madre de Alex (Uma Thurman), sino también sacudir las tradiciones de la monarquía británica hasta sus antiguos orígenes. centro.

Sería bastante fácil descartar todo esto como una tontería sin sentido y basada en tropos, o adoptar una perspectiva desde la cual todo el asunto parece simplemente otra iteración de algún “cuento de hadas” probado y verdadero pero poco realista, si no fuera por la Voz perspicaz que se preserva y realza gracias al ingenioso enfoque cinematográfico de López hacia el material.

Aprovechando el cambio de medio, López logra una visión de la novela de McQuiston que captura la esencia que ha convertido en clásicos todas las “grandes” comedias románticas cinematográficas. Combinando el idealismo político y la equidad social que elevaron los clásicos locos de la edad de oro con la elegancia y el estilo de las "farsas sexuales" más atrevidas que vendrían más tarde, elabora la historia combinando las tradicionales presunciones técnicas de antaño con la forma. -adornos curvados de la época contemporánea; Los tropos y las expectativas se ven alterados por giros inesperados que enfatizan la comprensión moderna sobre las construcciones sociales sobre la “normalidad” y la inmutabilidad de la tradición.

Como estética, la colaboración de López con el director de fotografía Stephen Goldblatt (“The Hunger”, “Batman and Robin”) crea una manifestación cinematográfica de la novela que abraza plenamente tanto el idealismo sincero de aquellos clásicos locos, que siempre fueron tanto sobre desafiar las normas sociales como sobre el escapismo, y los romances estilísticamente elegantes de la década de 1950, tanto los exagerados melodramas socialmente relevantes de Douglas Sirk como las comedias picantes personificadas por la efervescente joya de Doris Day/Rock Hudson, “Pillow Talk”. en una presentación cinematográfica repleta de la paleta colorida y los matices visuales casi surrealistas que caracterizan a todas las grandes comedias absurdas de la historia del cine moderno.

No nos equivoquemos, la adaptación cinematográfica de “Rojo, blanco y azul real” es una comedia ligeramente absurda en el sentido clásico. En un nivel, expresa sus puntos a través de la absoluta ridiculez de algunas de sus ridículas presunciones; por otro, los lleva a casa a través de una trama que se atreve a sugerir que una mera reformulación de nuestras expectativas es suficiente para hacer que la mayoría de nuestras objeciones al cambio sean anticuadas, si no completamente irrelevantes. ¿Qué podría ser una forma más identificable de transmitir eso que una historia sobre dos personas que se dan cuenta de que estar enamorados es lo suficientemente importante como para nadar contra una corriente abrumadora? Incluso las personas que no son queer pueden entender lo que es sentirse atraído por alguien por quien no tienes permitido sentirte atraído.

Estos temas, sin embargo, aunque están ahí para que los tome cualquiera que conecte los puntos para encontrarlos, nunca amenazan con dominar el tono sentimental de la película. Descaradamente idealista, descaradamente orientado a desencadenar todas nuestras reacciones emocionales más cálidas y placenteras y reforzar nuestras nociones sobre el inevitable poder del amor, juega de todo corazón con la esperanza y el humanismo con su insistencia en honrar el imperativo de la experiencia interior. sobre las demandas impuestas por un mundo exterior. En la atmósfera actual de personalidad pública escrupulosamente manejada, una visión de la vida tan aparentemente básica pero mayoritariamente ignorada resulta no sólo refrescante sino también subversiva.

Todo esto sirve para dejar claro que, si bien “Red, White, and Royal Blue” puede parecer nada más que una emanación superficial y simplista de la cultura pop, contiene material sólido más que suficiente para que valga la pena para aquellos que Normalmente, podríamos evitar esas historias idealizadas y casi elitistas de privilegios en las que un estigma que es inevitable dentro de la mayoría de las jerarquías de clases puede superarse gracias a la fama, las ventajas económicas y (sí, admitámoslo) el atractivo. López, al poner en primer plano su propia experiencia queer, logra transmitir la auténtica perspectiva queer del libro de McQuiston, y eso es lo que distingue su adaptación de la novela de la típica. Nada de lo que escuchamos, vemos o sentimos es mera palabrería; todo proviene de una perspectiva genuina en la que “¿por qué no?” es una respuesta válida a la pregunta de si tales cosas son siquiera posibles.

Desde nuestro punto de vista, López es la verdadera estrella de la película, pero definitivamente todo el elenco merece felicitaciones, encabezados por los increíblemente bellos (aunque totalmente identificables) Pérez y Galitzine, cuyos considerables encantos superficiales reciben peso de la verdad emocional de sus actuaciones y la carga tangible de su química en pantalla. También es notable un papel secundario digno de premio de Sarah Shahi, como una subjefa de personal con los ojos puestos en el premio que hace todo lo posible para gestionar las consecuencias políticas de la aventura clandestina de Alex y Henry, y una aparición deliciosamente irónica de Stephen Fry, quizás superado sólo por Ian McKellen como el actor queer más destacado de Gran Bretaña, como un rey de Inglaterra que abraza la tradición. Thurman, que aporta el peso de su “presencia estelar” al papel, se convierte en una madre (y presidenta) más que comprensiva en una actuación que juega contra los tropos para encontrar un elemento humano que trascienda las preocupaciones de reputación y decoro.

Por supuesto, incluso si todos esos elogios surgen de una apreciación genuina de la destreza artística de la película, eso no significa que “Rojo, blanco y azul real” sea para todos. Si no eres fanático de las comedias románticas en general, o de las películas que incorporan una esperanza idealizada en sus mensajes con el supuesto fin de reforzar el sentimiento populista, es posible que aún así no sea de tu agrado.

Pero si te gustan las películas que imaginan el mundo como podría ser, en lugar del mundo tal como es, es un regalo sorprendentemente bienvenido que puede no ser un placer tan culpable como parece.

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